El legendario guitarrista Paul Gilbert regresa a la Argentina, con un show programado para el viernes 11 de septiembre en El Teatrito, donde el virtuoso músico presentará “WROC” (Washington Rules of Civility), un álbum conceptual concebido a partir de las "Rules of Civility and Decent Behaviour" asociadas a George Washington. Charlamos con él sobre su actualidad y su carrera en la música.

 
¿Qué podés contarnos de tu nuevo disco, WROC (Washington’s Rules of Civility)? ¿Cómo fue encarar la composición del mismo a partir de un libro que leíste?

Bueno, para mí normalmente es más sencillo idear melodías a partir de alguna letra. En este caso, se me ocurrió sacar la letra, no de mi propia imaginación, sino de un manual de etiqueta de hace siglos. Pensé que era una idea extraña, pero decidí probarla. Y el resultado fue maravilloso. Disfruté mucho del proceso. Fue casi como tener un colaborador, un coautor. Así que disfruté enormemente de mi coautor: aquel manual de etiqueta de hace siglos.

Cuando empezaste a trabajar la grabación de este álbum, ¿había alguna idea o sensación que quisieras capturar desde el principio?

Lo  grabamos en vivo en el estudio, y eso siempre facilita las cosas, siempre y cuando tengas tiempo para ensayar y, afortunadamente, lo planifiqué así, así que tuvimos un buen tiempo de ensayo. La banda estaba lista, todos conocíamos las canciones, y te das cuenta enseguida cuando sale bien. Si tocas la canción y sentís que no termina de encajar, simplemente podés volver a intentarlo. Realmente prefiero eso a la técnica de sobre grabación. Con la sobre grabación, no sabes si está bien hasta que ya es demasiado tarde. Y entonces pensás: “Vaya, eso costó muchísimo trabajo, no podemos volver a hacerlo”, así que simplemente tenés que aceptarlo tal como quedó. Pero con una banda tocando en vivo, podés seguir intentándolo y haciendo pequeños cambios. Además, está la fuerza del trabajo en equipo, porque la energía de cuatro seres humanos compartiendo un objetivo común (lograr que la canción transmita lo que debe) es algo poderoso.

Mencionaste que este disco se grabó en vivo. ¿Qué es lo más especial que intentás preservar en esa grabación en directo? ¿Es la personalidad del momento?

Bueno, creo que un aspecto concreto para optar por este tipo de grabación es que muchas de las canciones tienen cambios de tempo y de groove. Y, de hecho, las bandas con las que crecí y que hacían eso eran grupos como Iron Maiden o Black Sabbath; incluso The Beatles hicieron una canción como “Happiness Is a Warm Gun”. Cada parte de la canción es totalmente distinta a la anterior; el tempo cambia de repente. Cuando haces eso con una banda en vivo, todos pueden encontrar juntos el camino hacia ese nuevo tempo. Y el resultado tiene una fluidez muy agradable. Si intentás programar eso con un metrónomo, se convierte en una pesadilla. Se puede hacer, pero es muy difícil lograr que la sensación sea la correcta. Una pista de clic está muy bien cuando toda la canción mantiene el mismo tempo, simplemente querés dejarte llevar por el ritmo y no hay cambios ni acontecimientos especiales.  En mi música, la sensación es esta: va a ocurrir algo emocionante. Y eso es mucho más fácil de lograr con músicos humanos que con una pista de metrónomo.

Pienso que cada álbum termina siendo una instantánea de un momento concreto en la vida de un músico. ¿Qué crees que dice “WROC” sobre el Paul Gilbert actual?

Oh, me encontraba en un momento muy bueno cuando escribí y grabé el material. La verdad es que me estoy haciendo mayor; tengo 59 años, así que empecé a entrenar. Contraté a un entrenador para que me ayudara a hacer ejercicio. No es que busque tener músculos enormes, sino simplemente poner mi cuerpo en mejor forma. Nunca había hecho algo así antes. Había ido al gimnasio y cosas por el estilo, pero esta vez tenía un entrenador personal que me hacía trabajar. Y eso me hizo sentir mucho mejor, tanto en cuanto a mi salud general como a mi energía.

Emocionalmente me sentía mucho mejor. Y creo que, creativamente, también estaba en un buen momento. De hecho, ayer mismo retomé las sesiones con mi entrenador. A medida que uno envejece, eso es realmente importante. Por supuesto, mantenerse en forma y saludable siempre es importante.

Dejame llevarte atrás en el tiempo, ya que han pasado décadas desde los primeros álbumes de Mr. Big o Racer X. Al escuchar ese material hoy en día, ¿qué sentís?

A decir verdad, no suelo escuchar mis grabaciones antiguas muy a menudo. Antes sí lo hacía. Creo que cuando tenía treinta y tantos años, me sentaba a escucharlas y realmente las disfrutaba. Y luego no sé qué pasó (risas). ¿Sabés qué fue divertido? Durante la gira por Estados Unidos, toda la banda y yo estábamos en el autobús de la gira después del concierto, estábamos todos de buen humor porque habíamos dado un buen espectáculo. Y Doug Rappaport (el otro guitarrista que grabó en “WROC”) preguntó, ya que él es fan de Racer X, cuál era nuestra canción favorita del grupo…bueno, claro, yo estaba allí y Jeff Martin toca la batería en mi banda. Él era el cantante principal de Racer X, aunque ahora toque la batería, él era el cantante de Racer X. Así que Doug nos preguntó, y yo dije: “Oh, mi favorita… creo que la que me viene a la mente ahora es una canción llamada ‘Sacrifice'”. Es la primera canción del álbum “Second Heat”. Así que la pusimos…y tanto Jeff como yo empezamos a hacer como que tocábamos la batería en el aire y a cantar en plan karaoke dentro del autobús al ritmo de “Sacrifice”. Miré hacia un lado y vi a Doug disfrutando al vernos revivir esa canción. Fue muy divertido. Porque, al hablar de esa canción en concreto…es un tema en el que toda la banda se detiene y yo hago ese efecto loco de deslizar los dedos por las cuerdas. Y, bueno, estaba totalmente inspirado. Además, Bruce Bouyer hacía unas técnicas de sweep picking que me encantó escuchar.

Ahora que volvemos la vista atrás a aquellos primeros años de tu carrera, quiero preguntarte: ¿qué aspectos del músico que eras entonces dirías que permanecen igual? ¿Y qué sentís que ha cambiado por completo?

A ver, la verdad es que no suelo pensar en eso, porque aún no lo sé del todo. Creo que ahora…bueno, soy mucho mejor con las melodías. Y conozco mucho mejor el diapasón. Sabés, antes…había aprendido a tocar escalas a gran velocidad. Así que, cuando tocaba con la banda, me limitaba a tocar escalas. Pero si tenía que tocar una melodía, me resultaba muy difícil. No sabía identificar cuáles eran las notas fuertes. Y, desde entonces, he aprendido mucho más sobre melodías. Así que supongo que, en cierto modo, me he convertido más en un cantante a través de la guitarra.

Y eso empezó más o menos cuando salí de gira con el G3, allá por 2007, junto a Joe Satriani. Porque Joe…bueno, eso es lo que él hace; es como un cantante principal con la guitarra en sus canciones. Y fue maravilloso. Es genial en eso. Y al público le encantaba. Yo lo observaba cada noche y pensaba: “Vaya, qué genial”. Es una habilidad realmente distinta. De hecho, esta mañana me he levantado y he estado tocando sobre una canción de Joni Mitchell, aprendiéndome su línea vocal. Lo hago todo el tiempo, porque ver cómo encaja una línea vocal en el diapasón siempre me sorprende. Es como decir: “Ah, así que ahí es donde está”. Es una forma muy distinta de ver la guitarra. Y me encanta. Es como abrir una puerta.

Tu música combina una técnica impresionante con un gran sentido del humor, ¿Qué tan importante consideras que el humor es en tu forma de componer? De hecho, alguna vez comentaste que incluso el uso del taladro eléctrico en Mr. Big era una especie de broma sobre solo enfocarse en qué tan rápido pueden ser los guitarristas.

Sobre eso hay algo curioso, porque estaba en el estudio y uno de los encargados del video quería hacer algo para añadirle más humor a la pieza. Lo detuve y le dije: “No entiendes; soy un artista serio”. Y todos nos reímos. Porque ellos saben (bueno, todo el mundo sabe) que tengo sentido del humor, pero al mismo tiempo me tomo mi trabajo muy en serio. No sé.. supongo que, al pensarlo, crecí escuchando bandas como Van Halen, que simplemente se lo pasaban muy bien. Había un espíritu de alegría y de invitación.

Hace poco sentí curiosidad y escuché algo de hip-hop y música pop…y era una música muy confrontativa, de esas de “te voy a pelear”. Me quedé impresionado; casi me asustaba, como si la música fuera un matón amenazándome. En cambio, gran parte de la música que me gustaba de niño, (crecí viendo a “The Partridge Family” o a “The Osmonds” en televisión, que eran la música que salía entonces) invitaba al público a unirse: “Vení conmigo, vamos a pasarlo bien”. Era un mensaje de “me lo estoy pasando genial y vos también podés unirte”. Creo que, en el fondo, de eso se trata.

Te vas a estar presentando el 11 de septiembre en Buenos Aires. ¿Qué les querés decir a tus fans en Argentina que esperan este show?

Bueno, quiero decirles a todos que estoy muy feliz de poder volver a tocar allí en Argentina nuevamente, esta vez presentando mi material solista. La banda con la que estamos tocando es grandiosa, ¡Vamos a tener el mejor momento del mundo!

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